Почему рене магритт был помешан на шляпах. Рене магритт картины

Дело в шляпе, или Почему великий сюрреалист Рене Магрит был помешан на шляпах-котелках

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Если говорить о загадках и символизме в живописи мирового искусства за последних 100 лет, то непременно приходит на ум имя прославленного бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта. Главной направленностью его творчества было «сочетание несочетаемого», а также использование символов, которые и стали визитной карточкой художника.

Магритт как человек был очень прост. Его жизнь многие считают скучной и однообразной. Живя в затворничестве, он никогда не путешествовал и даже редко выходил дома. А вот творчество живописца преисполнено такого полета фантазии, что можно позавидовать. Широчайший ее диапазон не знал границ, хотя сам художественный язык был весьма немногословен.

Сам художник свое творчество относил к направлению магического реализма и не очень любил, когда его зачисляли в круг сюрреалистов. По технике исполнения работы известного бельгийца чем-то напоминают плакатную живопись, которая в наши дни переживает новый пик популярности.

Немного из биографии художника

Родом Рене Магритт (1898 – 1967) из провинциального бельгийского городка Лессин. Отец будущего художника был торговцем тканей, мать – работала швеей. 14–летним подростком он стал свидетелем трагедии, которая разыгралась на берегу городской реки Самбр. По неизвестным причинам его мать бросилась в реку, и сын собственными глазами видел как оттуда доставали ее бездыханное тело. До того несчастная женщина неоднократно пыталась покончить с собой. Но всегда ее спасал муж, которого в этот раз не оказалось рядом.

Эти трагические события серьезно повлияли на мировосприятие будущего художника. Испытав глубокое потрясение, он замкнулся в себе и жил в постоянном поиске ответов на вопросы, которые возникали в его подсознании, а позже «говорил» о них сам с собой через свои картины.

Семье Магриттов довольно долго удавалось скрывать факт самоубийства матери, даже жена Рене узнала об этой истории не сразу. Он никогда не затрагивал эту щепетильную тему, однако как только она вскрылась, психологи тут же кинулись искать в картинах художника скрытый подтекст.

В 18 лет Рене Магритт стал студентом Королевской академии изящных искусств в Брюсселе. Однако, прозанимавшись там около двух лет, юноша ушел из академии и устроился художником на фабрику бумажной продукции. В 1926 создал первое свое творение «Потерянный жокей», а через год уже состоялась его персональная выставка. Но и публика, и критика довольно холодно встретила новоиспеченного сюрреалиста и его творения.

После неудачного дебюта Магритт оставляет работу и едет в Париж, где знакомится с известными сюрреалистами того времени. Общение с ними кардинальным образом изменило представление об искусстве молодого начинающего художника, повлияло на художественную манеру, стиль и почерк, которые в корне отличались от привычного изобразительного языка сюрреализма.

С тех пор за Магриттом закрепилась репутация мастера, который на протяжении всей творческой карьеры был верен одной и той же манере — хотя в действительности это совсем не так. Начав из абстракции в 20-х, в 30-х перешел к сюрреализму, а в годы войны явно прослеживается импрессионистический стиль, приближенный к стилистике Ренуара, который резко осудили сюрреалисты. После художник вновь вернулся к своим довоенным образам, над которыми работал до конца своих дней.

Однако наиболее важная роль Магритта в истории искусства состоит в том, что он первым поместил на картинную плоскость слова, так как считал, что живопись и слова имеют нечто общее. Хотя в самой Европе это новаторство не было оценено по достоинству, в то время как в Америке оно было принято на «ура». И поэтому, именно в США, где в наши дни собрано огромная часть работ из наследия художника, Рене Магритт получил признание и кардинально повлиял на новые поколения живописцев.

Стоит также отметить, что Магрит был великолепным мастером не только загадок, а и символизма. На протяжении всей карьеры он использовал несколько предметов, которые переходили из одной картины на другую. Это были трубка, яблоко, тромбон, роза, жокей, шляпа-котелок, простыня, которой художник иногда прикрывал лица своих героев.

Символическая шляпа, кочующая из полотна на полотно

Согласно статистике из 2000 тысяч полотен, написанных Магриттом, более чем на 50 художник использовал примечательную деталь – шляпу-котелок, ставшую отличительной чертой творчества Рене.

Начали производить такие шляпы еще во второй половине 19 века специально для британского среднего класса. А вначале 20 века они вошли в моду и стали весьма популярны. Неформальный и практичный вид сделал этот атрибут обязательной частью мужского гардероба

Впервые персонаж в черном пальто и шляпе появлялся перед зрителем еще в первых работах мастера в 1926 году на картине «Размышления одинокого прохожего». И потом на протяжении 40 лет Рене с перерывами возвращался к образу мужчины в шляпе-котелке. В нем исследователи не без основания усмотрели образ самого автора.

В 50-е годы этот головной убор вышел из моды, и тогда “шляпный мотив” Магритта выступил на первый план. Шляпы-котелки, написанные в реалистичном стиле, стали символом анонимности и загадочности.

В каких только ракурсах образ мужчины, носящего шляпу, не появлялся на полотнах художника – и развернутым спиной к публике, и стоящий в профиль, и скрывающим свое лицо каким-либо предметом. «Котелок. не удивляет», – как-то сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, спрятанный в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться».

Шляпы-котелки Магритт возвел в иконографию в своем творчестве. Забавной получилась ирония: живописец избрал предмет, который должен был обеспечивать неузнаваемость, но все обернулось иначе. Шляпа-котелок стала одним из главных атрибутов картин легендарного Рене Магритта, его визитной карточкой. А за самим Магриттом закрепился образ маленького буржуа в шляпе-котелке.

Личная жизнь художника

Рассматривая личность Магритта как художника, нельзя не приоткрыть несколько страниц из его личной жизни. История его любви к одной единственной женщине уходит глубоко корнями в детские годы. Именно тогда мальчишка познакомился со своей будущей суженой, и именно с тех пор они были практически неразлучны. Дочь мясника, жившего по соседству, Жоржетта Бергер стала свидетельницей того, как Рене принял неожиданное решение стать художником. Это было уже после смерти его матери, когда прогуливаясь по кладбищу, они увидели живописца за работой. В скором времени девушка переехала жить в Брюссель, а Рене, решив учится на художника, отправился следом.

С учебой не сложилось, а после армейской службы Рене сделал девушке предложение, и молодые в 1922 году обвенчались. Жоржетта стала не только любящей и преданной женой, она была для Магритта музой и моделью, с которой он писал все женские образы.

В своих чувствах к жене художник был постоянен, они жили очень счастливо и, казалось, это будет продолжаться вечно. Но по истечению 14 лет супружеской жизни Магретт увлекся некой Шейлой, участницей перформансов, и на время совсем потерял голову. Отвергнутая жена в отместку супругу завела интрижку с художником Полем Колине. Однако не пройдет и четырех лет как супруги Магретт снова окажутся вместе.

Рене Магритт скончался в 1967 году от рака поджелудочной железы, а Жоржетта пережила своего мужа почти на 20 лет.

Почему Рене Магритт был помешан на шляпах

Какая деталь в картинах Рене Магритта особо выделяется, кочуя из одного полотна в другое? Правильно, это – шляпа-котелок. Великий сюрреалист не просто так выбрал эту деталь – за котелком стоит любопытное переплетение исторического времени с воображением бельгийского художника.

За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене.

Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок. не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться».

Рене Магритт. 1938 год

Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых популярных шляп. Головной убор считался неформальным и практичным одновременно, что делало его обязательной частью мужского гардероба.

Правда, в 1920-е годы тоже были эпизоды, когда аксессуар фигурировал в карьере Магритта. В те времена художник оставил свою работу в качестве иллюстратора для модного каталога. Ранние картины содержат в себе отсылки к поп-культуре, которая тогда ассоциировалась со шляпой-котелком. Магритт, который был страстным любителем криминальной литературы, работал над картиной «Убийца в опасности», где два детектива в котелках готовятся войти в комнату, где было совершено убийство.

Убийца в опасности. 1927 год

Затем художник отказался от «шляпного» мотива, не используя его несколько десятилетий. Шляпы вновь изобразились на холсте в пятидесятые-шестидесятые годы, став важной частью поздней карьеры Рене. К тому времени ассоциации с человеком в шляпе кардинально изменились: от четкой отсылки к профессии (к детективам, в основном), до символа среднего класса.

Но, как и положено в творчестве Магритта – все не так, как нам кажется. «Он играет с этим чувством: “Мы думаем, что мы знаем, кто этот человек, но знаем ли мы?” – говорит Кайтлин Хаскелл, организатор выставки Рене Магритта в Сан-Франциско. –Тут есть чувство интриги, не смотря на то, что сама фигура – стереотипно-буржуазна и не представляет особого интереса»

Шедевр, или тайны горизонта. 1955 год

«Если вы возьмете гениальность Магритта и должны будете рассказать о ней в одном предложении: “Почему Магритт так важен? Почему его образы являются неотъемлемой частью общественного воображения и сознания?” Все потому, что он создает невероятно понятные и четкие картины, в которых нет четкого смысла», – говорит Энн Умланд, куратор картин и скульптур Нью-Йоркского музея современного искусства. «Шляпа-котелок работает именно таким образом».

Существует теория, что шляпа функционировала в качестве «анонимайзера» для самого Рене. Примерно в те времена, когда на картинах вновь появились головные уборы, Магритт стал надевать шляпу для фотосессий. Вполне возможно, что галантные господа из картин – это автопортреты самого Рене.

Это проиллюстрировано в картине под названием «Сын Человеческий», которая выступает в качестве автопортрета художника. Рене рисует себе шляпу-котелок и крупное яблоко, плавающее перед его лицом, затмевающее его настоящую личность.

Сын человеческий. 1964 год

Тем не менее, в 50-е годы улицы города перестали изобиловать шляпами-котелками. Аксессуар стал старомодным, и следящим за трендами горожанам пришлось от него отказаться. Тогда шляпы Магритта, нарисованные в реалистичном стиле (в разгар абстрактного экспрессионизма), стали символом анонимности. В картинах Рене они выступили на первый план, вместо того, чтобы исчезнуть в безликой толпе.

По сути, шляпы-котелки стали иконографической подписью Магритта. Получается забавная ирония: художник выбрал деталь, которая обеспечит неузнаваемость, но все сработало наоборот. Теперь шляпа-котелок – один из главных объектов творчества легендарного Рене Магритта.

Декалькомания. 1966 год

Счастливый даритель. 1966 год

Голконда. 1953 год

Пилигрим. 1966 год

Ящик пандоры. 1951 год

Как смотреть (и понимать) картины Рене Магритта

Каким человеком был Рене Магритт

Так выглядит дом-музей Магритта в Брюсселе — в три этажа. На первом жил художник со своей женой, остальные занимали другие семьи

Интерьеры дома напоминают ожившие картины — это окно, например, точь-в точь с работы «Условия человеческого существования»

Из этого камина в «Пронзенном времени» появляется поезд. На полу — как раз «коврик для бедных». Чучело собаки — не аутентичное, но примерно такое же было и у самого художника

Жена Магритта, Жоржетта, часто играла на пианино — об этом создателям музея рассказывала соседка сверху

За Магриттом закрепился образ маленького буржуа в шляпе-котелке — и обстановка его квартиры как будто отвечает этому представлению. Большую часть своей жизни он провел совсем просто: в его доме в Брюсселе по адресу Esseghemstraat, 135 (сейчас там устроен его дом-музей), не было даже ванной — он соорудил ее на кухне для своей жены Жоржетты. Детей они так и не завели — в том числе из-за нестабильного финансового положения, зато очень любили свою собаку, и Магритт ходил с ней только в те кинотеатры, куда пускали с животными. А после смерти он сделал ее чучело — и шутил, что с удовольствием превратил бы в чучело все, что его окружает.

На полу лежал «коврик для бедных»: паркет был покрашен в крапинку, как это часто делали старые бельгийские семьи. На кухне Магритт чаще всего и работал, потому что это было самое теплое пространство в доме. Стены гостиной и кухни он покрасил в голубой и салатовый — под стать фону многих своих работ. Детали интерьера вообще часто появлялись в его картинах: тот же камин, оконный проем, панорама лестницы — все списано с реальной обстановки. Как только в его жизни появлялся новый предмет мебели, Магритт переносил его на холст. А еще он много работал с фотографиями и строил по ним свои изображения. Это позволяло ему достичь особенной точности в картинах: добавляя к ним невозможные детали, он добивался странного сюрреалистического ощущения и заставлял задуматься о том, насколько реален наш повседневный мир.

«Магритт был человеком простых привычек и простых решений — как в своей обычной жизни, так и в живописи. Он мало путешествовал, вообще не любил перемены и часто повторял одни и те же сюжеты. Магритт спал по 12 часов в день, а все остальное время работал (за свою жизнь он написал около 2000 картин: сюжеты многих повторялись, потому что его арт-дилер часто находил ему заказы на новую интерпретацию старых образов. — Прим.ред.) — и вел совсем не богемный образ жизни. Критики шутили, что свои странные работы он рисует во сне, потому что все время проводит в кровати.

Магритт хотел изменить наш взгляд на мир, забрать горечь повседневности. Обычная жизнь заставляла его скучать: он был довольно грустным человеком — это видно по его письмам. И он бежал от реальности — как будто бы в воображаемую дверь, которую часто изображал на своих картинах. Поэтому Магритт так близок всем поколениям: подобно Дали, у него фантастическая техника, но в отличие от других сюрреалистов он показывал нам совершенно будничные, повседневные вещи, создающие обманчивый эффект легкости понимания».

Как смотреть картины Магритта

«Все возможные толкования своих работ Магритт ненавидел и говорил, что символов в них нет — это, конечно, не так. Но я бы хотел подчеркнуть вот какой момент: он был забавным человеком, который много смеялся — правда, только в кругу своих друзей — и в 60-е и 70-е снимал вместе с ними забавные и часто очень сексуальные фильмы. В одном из них пропадает труба: она исчезает под юбкой женщины, а потом находится под ней снова — и все это стилизовано под немое кино».

Весна, 1965. Остров сокровищ, 1942

Остров сокровищ, 1942

Эрик Ринкаут: «Магритт любил метаморфозы и часто изображал их в своих работах. Иногда женщина у него превращается в дерево или камень, а птица — в облако или силуэт птицы. Тот же прием он использовал и с растениями — которые становились птичьими силуэтами. Этот образ впервые появился в картине «Остров сокровищ» во время Второй мировой войны: птицы прикованы к земле, хотят взлететь, да не могут; и безнадежность, и надежда во время войны — все собрано здесь. С другой стороны, у Магритта было и более шутливое толкование сюжета: во французском языке есть поговорка «девочки в цвету», и он говорил так: если девочки могут быть цветами, то почему птички не могут быть деревьями?»

Империя света, 1953

Эрик Ринкаут: «На этой картине день и ночь нарисованы одновременно — и это создает удивительное, совершенно завораживающее ощущение. Когда Магритта спрашивали, зачем он нарисовал невозможный мир, он удивлялся и отвечал, что показал реальность: день и ночь на земле бывают одновременно. Но он не уточнил, что это никогда и нигде, кроме как на его картинах, не происходит в одном месте».

Избирательные сходства, 1933. Проницательность, 1936

Избирательные сходства, 1933

Эрик Ринкаут: «Картина кажется сложной и непонятной: во многих работах Магритт как будто бы пытался нас запутать — рисовал и яйцо, и птицу. Это довольно типичная работа для художника: в 1930-х годах его сюжеты изменились, и если раньше на картинах он объединял вещи, у которых, казалось, нет ничего общего, то потом он заинтересовался логическими проблемами. Одна из них — про яйцо и птицу. Так, например, он рисовал огромную клетку и помещал в нее яйцо («Избирательное сходство»). Или — на другой его знаменитой картине — художник рисовал яйцо, а получалась птица. Картина называется «Проницательность»: художник видит будущее — то общее, что есть у яйца и птицы».

Медитация, 1936. Прекрасный мир, 1962

Эрик Ринкаут: «На некоторых своих картинах (например, в «Медитации») он изображал змей, которые превращались в свечи и ползали по пляжу. А небо у Магритта тоже всегда во что-то превращалось: иногда в пазл, иногда — в кубы. Он хотел показать, что его рисунки — это иллюзорные конструкции, с которыми он может делать что угодно. Забавно, что он часто добавлял в ландшафт дверь — и таким образом тоже играл с этими фантомами».

Соблазнитель, 1953

Эрик Ринкаут: «Обычно корабль плавает по морю, а здесь — из этого моря состоит. Манифест не самого плохого мира, разве нет?»

Коллективное изобретение, 1934

Эрик Ринкаут: «И еще одно противоречие: вместо того чтобы делать соблазнительную картинку русалки с рыбьим хвостом и обнаженным верхом, Магритт нарисовал что-то неприятное, вызывающее и даже уродливое. Он очень любил играть с этим эффектом: превращать прекрасное в отталкивающее».

Алиса в Стране чудес, 1945. Наводнение, 1928. Черная магия, 1934

Алиса в Стране чудес, 1945

Черная магия, 1934

Эрик Ринкаут: «Алису в Стране чудес» Магритт очень любил: весь его мир немного напоминает картины из Зазеркалья, где ни в чем нельзя быть уверенным. Еще он много играл с масштабом: Пизанская башня на его картинах могла стать очень маленькой, а стул — огромным. Орел у Магритта часто превращался в скалу, как в сказках о миллионере-американце, который построил себе совершенно фантастический ландшафт. Воображаемая женщина в картинах Магритта обретает плоть: идеальное становится реальным.

Голос крови, 1948. Труды Александра, 1950

Голос крови, 1948

Труды Александра, 1950

Эрик Ринкаут: «Яблоко — это стародавний символ сексуальности и греха. На Магритт считал, что в его картинах нет символов и говорил, что яблоко — это просто яблоко. Пень держит топор как забавную угрозу: больше ты не срубишь ни одного дерева! А яблоко после Магритта стало важным элементом культуры, вдохновило и The Beatles, и Пола Маккартни. Он был большим фанатом работ Магритта; у Йоко Оно тоже было 13 его работ».

Терапевт, 1937

Эрик Ринкаут: «Эти птицы в клетке — образ Жоржетты и Магритта. Они вместе, но могут улетать и прилетать, когда хотят. У обоих на протяжении совместной жизни были собственные любовные истории, но они все равно оставались друг с другом».

Значение Магритта для истории

У Магритта устойчивая репутация художника, который всю свою жизнь был верен одному и тому же стилю — хотя на самом деле это совсем не так. Он начинал с абстракции в 1920-х, и сюрреализмом занялся после того, как его друг Патрис Леконт показал ему работу де Кирико, в картинах которого абстракция и реальность в некотором смысле соединяется вместе. В его творчестве во время войны также был отчетливо импрессионистический период, который резко осудили сюрреалисты — и им он посвятил совершенно эксцентричную выставку в примитивистском стиле, этот период принято называть vache — «коровьим». Помимо прочего, Магритта можно считать одним самых психоаналитических художников своего времени — у него есть, например, картина с точным изображением насилия, «LʼAube desarmee», — но намного важнее для истории искусства то, что Магритт одним первых (если не первым) поместил слово в плоскость картины. Он считал, что и слова, и изображения имеют одинаковую природу и одинаково далеки от того, каким мир является на самом деле — а не представлен в голове человека. В своих рассуждениях он был очень близок основателю концептуализма Джозефу Кошуту, который мог выставить рядом объект и его словарное описание. Это неслучайно: если европейцы (и особенно Париж) недооценивали Магритта при жизни, то именно в Америке (где сейчас собраны его самые известные работы) он получил признание, продавал свои работы — и повлиял на следующее поколение художников.

«Магритт изменил искусство в 1930-е, потому что показал, что оно нужно не для того, чтобы показывать вещи — но чтобы задавать вопросы. В этом смысле нет большой разницы между журналистикой и искусством: вы все задаете вопросы. Вот, например, моя любимая картина Магритта, на которой дождь идет поверх облака. Она заставляет вас задуматься — и, возможно, посмотреть на мир иначе. Живопись всегда пыталась показать людям, где правда, — это началось с религии и церкви, которые с помощью картин рассказывали людям о жизни святых. А Магритт говорил, что нужно прекратить это: мы не можем показать реальность как она есть, но можем использовать картину, чтобы задать вопрос. Что такое дождь, что такое дверь?

В Париже Магритта не показывали и не очень ценили. В 1954-м он выставил свои работы в США (11 картин, на которых были изображены слова. — Прим.ред.), и его идеи повлияли и на художников-минималистов, и на концептуалистов: особенно в отношении к миру и объекту, хотя американских художников больше интересовал общественный договор — то, как общество вносит свой вклад в восприятие объекта. Проекты Магритта были созвучны и «Новым реалистам» в Париже (предвестники поп-арта. — Прим.ред.), и даже период vache отвечал духу времени — стремлению к удовольствию, сексуальности. Но почему-то эти работы не ценились — и отдельно не выставлялись. Это так странно — особенно на фоне Пикассо, каждый новый этап в творчестве которого вызывал большое внимание.

Магритт пришел в искусство из рекламы, и он знаток того, как сделать изображение эффектным, произвести шок. Люди на его картинах смотрят в зеркало и видят в нем свою спину: Магритт говорил, что сделать портрет незнакомого человека просто невозможно, потому что вы не знаете его, и иллюзия сходства останется просто иллюзией. Эта идея тоже была очень важна, а причина, по которой многие молодые художники обращаются к его работам, состоит в следующем: трудно представить, как можно использовать идеи Пикассо, не повторяя при этом его работы. Не то Магритт. Вот он разрезал ландшафт на четыре части, чтобы создать пространство для воображения. Повторить это можно очень легко».

Источники:

https://kulturologia.ru/blogs/190219/42279/
https://cameralabs.org/12271-pochemu-rene-magritt-byl-pomeshan-na-shlyapakh
https://daily.afisha.ru/brain/7156-kak-smotret-i-ponimat-kartiny-rene-magritta/