18 просмотров
Рейтинг статьи
1 звезда2 звезды3 звезды4 звезды5 звезд
Загрузка...

Штрихи к портрету папы иннокентия x веласкеса. Фрэнсис Бэкон и все его музы

«Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» Бэкона

Алкоголик, азартный игрок, гомосексуалист, творец ужаса и транслятор депрессивных образов. Все это — Фрэнсис Бэкон. При жизни став одним из важнейших британских художников XX века, он вдохновлял многих режиссеров и артистов, при этом у него нет ни прямых последователей, ни единомышленников. Этого исполина, особняком стоящего в искусстве, нельзя отнести ни к одному из направлений.

Комплексный портрет, вернее, набросок к нему, художника Люсьена Фрейда был написан в конце 1960-х. Все части имеют одинаковые размеры, колористику и композицию. Формы и тела, и лица Фрейда искажены в типичной бэконовской манере передачи предельной интенсивности ощущения бытия. Каждое новое желание, импульс заставляет тело меняться. И в своей живописи Бэкон пытался передать эти трансформации, удержать образ.

Спинка кровати, которую мы видим за моделью, — отсылка к фотографии, по которой писал Бэкон. Собственно, он никогда не писал с натуры — только по снимкам, объясняя это так: «С момента изобретения фотографии живопись действительно полностью изменилась. В моей студии повреждённые фотографии разбросаны по полу — я использовал их, чтобы написать портреты друзей, а затем сохранил. Для меня проще писать с записей, чем с самих людей — так я могу работать в одиночку и чувствовать себя свободнее. Когда я работаю, то не хочу видеть никого, даже моделей. Эти фотографии для меня как записи на память — они помогают мне передать определённые черты, определённые детали».

Фигура Фрейда заключена в клетку. Этот образ, который повторяется во многих работах Бэкона, вдохновлен работой скульптора Альберто Джакометти.

Художники познакомились в середине 1940-х в Лондоне и стали близкими друзьями. Вместе они не только работали, но, конечно, обошли все ночные заведения Сохо. Оба были азартны и любвеобильны, правда, Фрейда интересовали женщины, а Бэкона — мужчины. Как вспоминал Фрейд, в течение 25 лет они встречались ежедневно, а затем из-за творческих разногласий они разошлись.

После первых выставок триптих разобрали на части и развезли по странам в зависимости от местонахождения покупателя. Только в конце 1990-х работа была восстановлена итальянским коллекционером Франческо де Симоне Никезе. В 2013 году полотно вновь оказалось в центре внимания: по итогам торгов оно стало самым дорогим из проданных на аукционе, но вскоре рекорд побил Пикассо.

Художник Люсьен Фрейд, отчасти благодаря влиянию Фрэнсиса Бэкона, стал одним из важнейших британских портретистов. Он начинал с дизайна кабинетов психиатров — сказалось то, что его дед был тем самым Зигмундом Фрейдом, а отец — архитектором. Живопись Люсьена была психоанализом в своем роде: через искусство он предлагал людям принять себя, свое тело, освободиться от гнета идеальности и так называемой красоты.

Фрейд с детства много рисовал и общался больше с животными, чем с людьми. Отчасти это было связано с переездом из родной Германии, где к власти пришли нацисты, в Великобританию с ее незнакомыми порядком, языком, укладом.

Фрейд был невероятно красив и любвеобилен. До сих пор неизвестно, сколько у него было детей — то ли 30, то ли 40. И это было бы не так важно, если бы все эти дети, любовницы и друзья не были его постоянными моделями. Фрейд никогда не писал на заказ — только знакомых и только тех, кто вдохновлял его.

Художника сравнивали с Дюрером, мастерами Северного Возрождения, немецкими экспрессионистами, сюрреалистами. Сам он отрицал причастность к какому-либо течению. Единственное влияние, которое он был готов признать, — Фрэнсиса Бэкона, который был старше на 15 лет. Они вместе выставлялись на Венецианской биеннале, что стало прорывом в карьере Фрейда. После встречи с Бэконом его манера перестает быть перфекционистской, персонажи на полотнах приобретают физиологичный, тактильный вид. Как и Бэкон, он создает живопись, которая становится плотью, причем такой, которая постоянно меняется и не совпадает с привычным понятием красоты.

В отличие же от Бэкона, Фрейд никогда не работал по фото. Кажется, он даже совсем не смотрел кино. Художник считал, что ничто не может сравниться с живописью в изображении человека, его меняющихся состояний.

Семья Фрэнсиса Бэкона жила между Великобританией и Ирландией. Из-за постоянных переездов и астмы, которая удерживала ребенка дома, мальчик не получил толком никакого образования. Этим он, впрочем, позднее гордился. Отец, разводивший коней и собак, рассчитывал, что сын вырастет настоящим мужчиной, а потому заставлял мальчика, несмотря на астму, ездить верхом. Это неизменно сопровождалось приступами удушья.

Когда Фрэнсису было 16 лет, отец застал его за переодеваниями в платья матери. Спешно юношу отправили в Берлин, где вместо учебы он предпочтет набираться жизненного опыта в кабаках и притонах. Приближалось время выбора профессии, но никаких идей или желаний относительно будущего у Бэкона не было. Перелом произошел в Париже, где молодой человек оказался после Берлина. Во Франции он познакомился с работами сюрреалистов и Пабло Пикассо и под их влиянием решил стать художником.

Вернувшись в Лондон, Бэкон первое время довольно успешен. Уже в это время, в начале 1930-х, появляется тема, которая станет центральной в его творчестве, — распятие. Не будучи, по его словам, религиозным, Бэкон интересовался этим символом как одним из самых частых сюжетов классической живописи. В то же время Бэкона завораживали рентгеновские снимки, которые, по его убеждению, изменили наши представления о теле — художник уже не может изображать людей в прежней манере. Тело — это вовсе не та оболочка, что мы видим, это сложно организованная, крайне уязвимая система. Соединив на одном полотне два извечных сюжета — религию и тело (то есть небесное и земное), — Бэкон трактует распятие как символ хрупкости и бренности человека.

Читать еще:  В чем отличие между фэнтези и фантастикой. Герой должен пройти Путь

Первая персональная выставка была провальной — критики назвали начинающего автора недостаточно сюрреалистичным. Подавленный этим, художник уничтожает большинство работ и долгое время не подходит к холсту. Новый этап в творчестве Бэкона связан с триптихом 1944 года «Три этюда к фигурам у подножия распятия». В этой работе, как считается, впервые оформился стиль, который будет присущ всем последующим картинам. Вскоре Бэкон получил статус ведущего британского художника. Все чаще проходили его выставки как в Лондоне, так и по миру.

Своими учителями художник считал Микеланджело, Рембрандта, Ван Гога, Тициана, Энгра, Пикассо и Веласкеса. Кисти последнего принадлежит одна из картин, повлиявших на творчество Бэкона, — «Портрет папы Иннокентия X». Вдохновлённый этой работой, он написал около 40 полотен на подобный сюжет. Серия названа «Кричащие папы». Сильнее всего Бэкона восхищал богатый многообразный красный цвет. Живые оттенки, похожие на плоть, были той палитрой, к которой стремился сам Бэкон, и так и не достиг ее.

Человеческие фигуры, которые он пишет, нельзя назвать портретами в классическом понимании. Его не интересует лицо, поскольку это некая социальная маска, форма которой неуловима. Бэкона интересует голова как плоть, как часть тела. Самым же красивым в теле человека художник считал рот. Этот орущий зубастый орган почти всегда крайне экспрессивно показан на картинах. А сформировался он под влиянием фильма Сергея Эйзенштейна «Броненосец Потёмкин» и книги о болезнях ротовой полости. Как замечал Жиль Делёз, автор одного из наиболее подробных исследований о Бэконе, у художника «крик — процесс, когда всё тело выходит через рот».

Будучи азартным человеком, живописец следовал воле случая и в творчестве. Оно проявлялось, например, в технике. Художник всегда работал без набросков и эскизов. При этом он буквально сражался с холстом, используя в качестве инструментов тряпки, щетки или и вовсе бросая краску, как снаряд. Появлявшиеся изображения были отчасти игрой случая.

В последние годы Бэкон все чаще писал автопортреты. «Люди вокруг меня мрут как мухи, и больше некого писать, кроме себя», — говорил он, подразумевая в первую очередь суицид своего любовника и модели Джорджа Дайера. Несмотря на проблемы со здоровьем, Бэкон продолжал пить, вести активный ночной образ жизни, много путешествовать — в общем, жить на износ. Его последней любовью был бармен Джон Эдвардс, который взял на себя заботу об уже немолодом Бэконе. Художник скончался от сердечного приступа в 1992 году. Тело его кремировано, а прах развеян.

Современное искусство по кусочку.Постимпрессионизм. Ван Гог, Гоген.

Ни один из четырех художников, известных как постимпрессионисты, никогда себя этим словом не называл. В то время, когда Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Жорж Сера искали новые пути и средства выражения, такого термина просто не существовало.

Появился он в 1910 году, благодаря Роджеру Фраю – британскому художнику, критику и музейному куратору. Он устраивал выставку в Лондоне, где демонстрировались работы совершенно разных художников и необходимо было собирательное название, чтобы их объединить.

Задача была непростой, учитывая, что Ван Гога и Сера называли неоимпрессионистами, Сезанн был импрессионистом (по крайней мере, так считалось), а Гогена причисляли к символистам. Кроме того, на выставке были представлены работы Эдуарда Мане, которые и должны были стать основным крючком для публики. В итоге, Фрай назвал выставку ” Мане и постимпрессионисты”, тем самым, в лучших традициях современного искусства, дав определение новому течению в живописи.

Термин прижился, но сама выставка получила негативные отзывы и общественное фи. В общем-то, что тоже идеально вписывалось в традицию)

Тем не менее, сейчас с уверенностью можно сказать, что Фрай был отличным куратором, дальновидным и чутким. Те четыре художника, работы которых он выбрал для выставки, стали основоположниками крупных течений искусства 20 века.

Винсент Ван Гог (1853-1890) – ЭКСПРЕССИОНИЗМ.

Мы можем не знать ни одной картины Ван Гога, но четко помнить про отрезанное ухо и самоубийство. Действительно, биография этого художника захватывает. Камиль Писсарро прекрасно выразился:

“Я заранее знал, что этот человек либо сойдет с ума, либо оставит нас всех далеко позади. Но я никак не предполагал, что он сделает и то и другое сразу”.

Винсент Ван Гог, Автопортрет, 1887

Ван Гог родился в нидерландской деревушке Грот-Зюндерт старшим из шестерых детей. Его отец -Теодор – был священником, а дядя – совладельцем компании, торгующей предметами искусства. Он помог Винсенту пройти там обучение. Ван Гог оказался способным парнем и продолжил работать в компании дяди, куда немного позже пришел и его младший брат Тео, с которым Винсент вел переписку всю оставшуюся жизнь.

В письмах они обсуждали живопись, литературу, новые идеи и постепенно в них начинает проскальзывать растущее разочарование Ван Гога в торговле произведениями искусства. Ван Гог был верующим и меркантильность, жажда наживы, без которых не обходится бизнес, были ему чужды. В итоге, он ушел из фирмы и поселился в небольшом городке, готовясь стать священником. Но решение его не было окончательным – Ван Гог метался, сомневаясь в выбранном пути. Тео дал ему необычный совет – стать художником.

Винсент согласился попробовать. Следующие пять лет он провел в Нидерландах, делая наброски, набивая руку и нащупывая свою художественную интонацию. Тео финансово помогал брату, он оплатил ему и несколько уроков живописи, однако, по сути, Ван Гог так и остался самоучкой.

В 1885 году он пишет свое первое легендарное полотно. ” Едоки картофеля” остаются незамеченными современниками.

Винсент Ван Гог, Едоки картофеля, 1885

Ван Гог стремился стать художником крестьянской жизни. Как бы сказали сейчас, хотел писать “социалку”.

Читать еще:  Impressi - История возникновения импрессионизма. История Все про импрессионизм

На этом полотне уже виден стиль. Можно не знать названия, не знать ничего про замысел художника и сказать точно – люди на картине живут нищенской жизнью, тяжелым физическим трудом и впроголодь. Об этом говорит цвет, говорят заскорузлые пальцы, согбенные позы. Однако, прямые линии создают ощущение, что хоть этим людям тяжело, но они не сломлены. Возможно, сейчас для нас в этой работе не будет ничего особенного, но до Ван Гога так не писали.

Для сравнения – крестьяне Милле, например. Или Писсаро.

Жан Франсуа Милле, Сборщики колосьев, 1857

Камиль Писсарро, Крестьянка, прочесывающая шерсть, 1875

Однако, Ван Гогу было не суждено стать социальным бытописателем. В 1886 году он приезжает в Париж.. И видит цвет, свет, линию.

Ван Гог знакомится с авангардным искусством того времени и берет на вооружение импрессионистский мазок, технику импасто ( когда краска накладывается толстым слоем), еще раз открывает для себя японскую графику.

Будучи в совершенном восторге, хватается за все подряд и, в итоге, решает перевести дух в сельской местности. Ван Гог едет в Арль. Юг Франции, бушующая зелень, море, солнце. Здесь у художника открывается “второе дыхание” – он пишет за недолгий период около 200 картин, в числе которых и знаменитые “Подсолнухи”, “Звездная ночь над Роной”, ” Терраса кафе”.

Винсент Ван Гог, Подсолнухи, 1888

Винсент Ван Гог, Звездная ночь над Роной, 1889

И опять не обошлось без японцев. В письмах к Тео художник говорил о том, что хочет добиться той же простоты и ясности, которые есть в японских гравюрах. “Японцы несколькими уверенными мазками создают изображение с такой легкостью, как мы застегиваем пальто”. И снова, пользуясь моментом, покажу кое-что из японской графики)

Байрей Коно, вторая половина 19 века

В Арле к Ван Гогу присоединился приятель Поль Гоген (1848-1903). Полтора месяца они работали бок о бок, воодушевляя друг друга. Но на большее темпераментных друзей не хватило – после очередной яростной ссоры Ван Гог в бешенстве обкромсал себе мочку уха.

Поль Гоген, Ван Гог, рисующий подсолнухи, 1888

Тем не менее, этот период для обоих оказался очень плодотворным. Оба нащупывают дальнейший художественный метод. У Ван Гога это – выражение собственных ощущений.

Его картины бугрятся, движутся, живут. На расстоянии они кажутся объемными. Художник использовал мастихин и собственные пальцы – техника, которой пользовались Рембрандт и Веласкес. Краска становится активным участником самой картины, не просто средством передачи изображения.

Импрессионисты стремились запечатлеть увиденное, передать правду объективно, как видит глаз. Ван Гог решает пойти еще дальше и выявить правду более глубокую – внутреннего состояния. Его цель изобразить не то, что он видел, а то как он это ощущал.

Однако, даже такой гений, как Ван Гог опирался в своих поисках на открытия мастеров прошлого. Перекрученные, удлиненные формы и неожиданные ракурсы были визитной карточкой еще одного художника.

Эль Греко, Гора Синай, 1570

Кстати, оба художника были очень религиозны. Тем не менее, сравнивая Эль Греко и Ван Гога – налицо разница в восприятии действительности. Эль Греко влекут мистические и религиозные сюжеты, а Ван Гога – вещи гораздо более прозаичные: кафе, цветы, крестьяне, комнаты-))

Винсент Ван Гог, Комната в Арле, 1888

В 1890 году безумие, сопровождавшее художника бОльшую часть жизни, взяло верх и Ван Гог покончил с собой, выстрелив в грудь. Через несколько месяцев от сифилиса умер и его брат Тео.

Хотя в то время художник был безвестен и непризнан, уже через три года появляется ” Крик” Эдварда Мунка, который можно назвать своего рода посвящением Ван Гогу.

Эдвард Мунк, Крик, 1893

Мунк использует метод перекручивание и искажения фигуры, чтобы передать глубинные эмоции. Картина стала пророческий. В ужасе этого кричащего человека, отражается и ужас будущего столетия.

Тема крика продолжается у ирландского художника Фрэнсиса Бэкон (1909 – 1992), который также продолжил начатое Ван Гогом.

Фрэнсис Бэкон, Штрихи к портрету папы Иннокентия X Веласкеса.

Бэкон как-то сказал, что “живопись – это отображение нервной системы на холсте”. Эти слова могли принадлежать и Ван Гогу. Они отлично характеризуют одно из самых значительных направлений в искусстве 20 века, которое предвосхитил Ван Гог – экспрессионизм.

ПОЛЬ ГОГЕН (1848-1903 ). СИМВОЛИЗМ.

Гоген не отличался скромностью и ранимостью. Он считал себя великим художником, о чем не гнушался сообщить при случае и говорил о том, что Ван Гог ему много чем обязан. Однако, это был смелый человек, а главное – смелый художник.

Поль Гоген, Автопортрет, 1903

В 1882 году после краха фондовой биржи, молодой финансист Поль Гоген , решает стать художником и присоединиться к тусовке импрессионистов, картины которых он, кстати, собирал. Однако, уже в конце 80х отделяется от них, назвав приверженность импрессионистов натурализму чудовищной ошибкой.

Поль Гоген, Бретонка с гусем, 1888

Первое, что свидетельствует о разрыве с импрессионизмом, это, конечно, цвет. Второе – сюжет. Картины Гогена были, мягко говоря, далеки от реальности и перегружены тайными смыслами и символами. Если его коллега – Ван Гог- использовал цвет для выражения чувств, то Гоген наращивает интенсивность палитры ради самого сюжета.

Поль Гоген, Видение после проповеди, или Борьба Иакова с ангелом, 1888

Эта картина – образец раннего творчества Гогена в постимпрессионистический период. В основе – сюжет о том, как группу бретонок после проповеди посетило божественное видение Иакова, борющегося с ангелом. Цвет в этой картине несет исключительно символическую нагрузку. Если женщины на переднем плане выглядят вполне реалистично, то на второй половине картине Гоген “оторвался”. Оранжево-красная трава доминирует над всем. Ветка, разделяющая полотно на две части – аллегорическая грань между земным и небесным.

Читать еще:  Майкл Джексон (Michael Jackson) - биография, информация, личная жизнь.

Фантастика в “Видении после проповеди” – предвестник сюрреализма. Его бретонки предвосхищают его же таитянок, которые вдохновили многих гениев 20 века, начиная от Пабло Пикассо и Матисса, заканчивая Джакометти и Руссо.

Эта картина превратила Гогена-любителя в Гогена – лидера авангарда. Его причислили к движению символистов, появившемуся благодаря литературе. Гоген продолжил работать в этом направлении, критикуя импрессионистов за неумение рассмотреть что-либо за пределами реальности, находящейся перед их носом. Их рациональный взгляд на жизнь, по его мнению, лишал искусство самого главного – воображения. Ему надоел не только подход импрессионистов, но и их главный сюжет – современная жизнь.

Материализм – это зло, решил бывший финансист Гоген и отправился на Таити (оставив жену и детей) искать вдохновения среди первозданной природы и аппетитных таитянок.

Действительно, там он быстро находит свой стиль. Вдохновляясь фольклором аборигенов, освещением и яркими цветами, Гоген пишет серию полотен, на которых изображает жизнь примитивную и первобытную – ту, которая, по его мнению, является наиболее естественной.

Критикуя импрессионистов, Гоген, тем не менее, пользуется их методом. Двухмерное изображение с помощью цветовых блоков -техника, впервые опробованная Мане и впоследствии взятая на вооружение Моне и Дега, делала картины Гогена плоскими, как детский рисунок. Это впечатление усиливалось тем, что художник утрировал их, полностью искажая естественный цвет.

Типичное полотно таитянского периода Гогена – картина “Почему ты сердишься?”.

Поль Гоген, Почему ты сердишься?, 1896

Вроде все понятно – сцена из жизни туземцев. Милая, пасторальная обстановка. Трое женщин стоят справа от пальмы и трое сидят слева. Но не всё так просто. Две женщины намереваются войти в хижину и одна из них обнажает грудь, приспустив платье. А девушка в синем саронге с презрением глядит на парочку под пальмой. Символика, дающая зрителю понять, что перед ним сцена возле борделя, становится более очевидной – женщины, стоящие у хижины держатся с достоинством – их честь не запятнана, в отличии от сидящих девушек на первом плане. Гоген мастерски передает жизненную драму – растление, разложение общества, которое когда-то было девственно и целостно.Вопрос в названии картины риторический – Гоген сокрушается о непорочном образе жизни, который разрушается белыми “колонизаторами”, его же согражданами.

Полотна Гогена очень узнаваемы. Его картины будто немного наивны, но тем не менее поражают своей сложностью. Это не просто изображение полуголых туземцев. Смотрите внимательней и будете удивлены, насколько психологичны эти работы.

Гоген, восстав против импрессионизма, вернул искусство в область воображения и символики, за что следующие поколения художников будут ему очень признательны.

13 действительно ужасающих произведений искусства

Искусство славится красотой, но и уродства в нем достаточно, даже в работах самых известных художников. Не говоря уж о крови, кишках и экзистенциальном ужасе. Итак, представляем вам 13 жутких картин!

1. «Фигура с мясом», Фрэнсис Бэкон (1954). Картина — аллюзия на портрет папы Иннокентия X авторства Диего Веласкеса.

2. «Несколько маленьких щипков», Фрида Кало (1935). Эта картина основана на газетной новости о том, как мужчина убил свою подругу, 20 раз ударив ее ножом. Когда его допрашивали, он сказал: «Я лишь немного ущипнул ее!»

3. «Лицо войны», Сальвадор Дали (1940). Это самое страшное сюрреалистичное произведение Дали, написанное сразу после окончания испанской гражданской войны.

4. «Сатурн, пожирающий своего сына», Франсиско Гойя (1819-1823). Основана на греческом мифе о Кроне, поедающем своих детей, чтобы они не свергли его (один из них выжил и поступил именно так — ну, знаете Зевса). Это одно из полотен, которые Гойя написал прямо на стенах своего дома.

5. «Ребенок с игрушечной гранатой», Диана Арбус (1962). Многие из работ Арбус пугают, но эта особенно страшна. Диана ходила вокруг ребенка, Колина Вуда, и засняла его в момент, когда ему это надоело. «Делайте уже фото!» — закричал он.

6. «Юдифь и Олоферн», Караваджо (1598-1599). Эту сцену рисовали многие художники, но нам кажется, что картина Караваджо — самая страшная.

7. Густав Климт (1901). Обратите внимание на Тифона, самого страшного монстра в греческой мифологии, и человекоподобные существа: они воплощают собой болезнь, безумие, смерть (слева), распущенность, сладострастие и чрезмерность (справа).

8. «Тысяча лет», Дэмьен Херст (1990). Что бы вы ни думали про Херста, он, во-первых, известен, а во-вторых, ужасающ, потому он в списке. Это картина о жизненных циклах: мухи откладывают яйца в отрезанной коровьей голове, яйца превращаются в личинки и снова умирают от мухобойки.

9. «Любовники», Рене Магритт (1928). Вы с бойфрендом переоделись на Хеллоуин и решили, что, если вы никого не видите, вас тоже никто не видит.

10. «Без названия #140», Синди Шерман (1985). Почти все ее работы страшны, но это, наверное, самая ужасная.

11. «Яйцо», Альфред Кубин (1901-1902). Символист Кубин был одержим женским телом как телом одновременно жертвы и агрессора и зачастую рисовал смерть и беременность вместе.

12. «Самоубийство», Энди Уорхол (1964). В начале 60-х Уорхол стал интересоваться всякими ужасами. Это работа из серии «Смерть и катастрофа».

13. «Три этюда к фигурам у подножия распятия», Фрэнсис Бэкон (1944). Извините, снова Бэкон. От этой картины становится не по себе. Бэкон был одержим религиозными мотивами и иконографией и планировал изобразить сцену распятия целиком. Этот триптих — его первая зрелая работа.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Источники:

https://diletant.media/articles/45238560/
https://spletnik.ru/blogs/vokrug_sveta/131604_sovremennoe-iskusstvo-po-kusochku-postimpressionizm-van-gog-gogen
https://bigpicture.ru/?p=704928

голоса
Рейтинг статьи
Ссылка на основную публикацию
Статьи c упоминанием слов:

Для любых предложений по сайту: [email protected]